viernes, 13 de junio de 2014

Las relaciones saludables para los ilustradores y diseñadores


Los diseñadores e ilustradores invierten  mucho tiempo y esfuerzo en la consolidación de las relaciones profesionales. Clientes, posibles clientes, compañeros de trabajo, todos relacionados con la industria a la que se dedican.
Lamentablemente muchos profesionales trabajan duro para hacer que estas relaciones laborales sean lo más fuertes posibles y a menudo descuidan sus relaciones no profesionales, incluyendo las relaciones con familiares, amigos, y hasta incluso olvidándose el propio profesional de su propia salud y bienestar.


Fotografía de Ivan Prole descargada de freeimages 
Este panorama no es exclusivo de los profesionales del diseño gráfico o de la ilustración, sino que ocurre en muchas profesiones. Sí que es verdad que los freelance deben aprovechar cualquier oportunidad de trabajo, y creo que eso debe entenderse, aunque eso supone a menudo el tener dificultades para mantener un equilibrio entre vida y trabajo, y aquí empieza la gran lucha.
En este artículo, voy a ofrecer algunas de las maneras que he encontrado útiles para los profesionales de este sector y conseguir fomentar sus relaciones no profesionales  para mejorar el bienestar personal de cada uno.

Y todo basado en mi experiencia de trabajar duro pero manteniendo un equilibrio entre mi vida laboral y mi vida personal. He luchado personalmente con este equilibrio durante años, y sé que he hecho mis errores pero también he aprendido muchas lecciones.
Espero que los consejos que puedo compartir contigo te sean de utilidad.

Saturación de proyectos

Este punto se tocaba en cierta manera en otro artículo de este blog, pero en este caso no solo se habla de encargos laborales sino de toda la siguiente lista de tareas.
Hacer los encargos de los servicios de diseño e ilustración en freelance, mantener un blog corporativo y una web, escribir artículos no solo para el blog corporativo sino para otros medios relacionados con el sector, las redes sociales también es otro factor que hoy en día ocupa su espacio a cada profesional.
Son puntos esenciales para hacerse visible y decirle al mundo online ¡¡EEhhh qué estoy aquí!!! Todo eso para conseguir encargos.
A esto le sumamos los proyectos personales y alguna vez que otra el trabajo de diseño para los amigos, por ejemplo las invitaciones de boda.

Fotografía de admeijer descargada de freeimages

En este caso la lista de tareas es larga, pero imagina incluso que estas trabajando para una empresa y encima en tiempo libre realizas trabajos freelance.
Con esta cantidad de actividades es obvio que se debe mantener un equilibrio entre trabajo y vida personal. Se debe entender que ninguna persona puede hacerlo todo, por eso se debe fijar una línea laboral, y la siguiente línea para hacer deporte, salir con los amigos o pareja, etc.

Es muy triste la cantidad de artículos que se pueden ver en la red que ponen ejemplos como este:

Hubo un momento en que me pasaba todas las noches y fines de semana aprendiendo los últimos trucos de Flash (sí, fue hace bastante tiempo) y el rediseño de mi propio sitio web una y otra vez para que yo pudiera aplicar las habilidades que yo estaba aprendiendo. El problema fue que mientras yo estaba aprendiendo mucho, cada vez era menos saludable. Había ganado una cantidad importante de peso, estaba constantemente cansado y me había separado de la gente que me importaba.
Finalmente me di cuenta de que el problema era que mis "hobbies" y mi "trabajo" eran la misma cosa. Yo estaba siempre delante de un monitor de ordenador, lo que dejaba muy poco espacio para otras actividades o personas en mi vida. La situación tenía que cambiar. Decidí que tenía que encontrar pasatiempos que no implicaban un ordenador.

Es evidente que en muchas profesiones se requiere una dedicación y aprendizaje continuo, y en esto el diseño gráfico y la ilustración no es menos. Pero eso no significa que se deba gastar todo el tiempo en mejorar las habilidades profesionales.


Refrescar la mente ayuda a crear mejores trabajos y a ser un mejor profesional.

Disfrute de Noches y Fines de Semana


 Fotografía de Joakim Buchwald descargada de freeimages

Una persona debe recargarse para no consumirse en sus puestos de trabajo. Es cierto que en general la línea entre nuestro tiempo en el trabajo y nuestro tiempo en el hogar se ha ido difuminando cada vez más.
Nuestra sociedad está más conectada que nunca. Los dispositivos móviles que llevamos nos permiten estar en contacto permanente con la gente de nuestra vida, incluyendo aquellos con quienes trabajamos. Debido a este nivel de conectividad, muchas personas sienten que tienen que estar "on" en todo momento, revisar los mensajes, incluso después de que hayan salido de la oficina para la noche o el fin de semana. Es necesario romper este hábito. Aunque depende del carácter y de la forma de ser de cada profesional, personalmente no recomiendo revisar el correo electrónico antes de acostarse. Es muy posible que este acto sea más contraproducente que otra cosa. Imagina por un momento que lees un correo electrónico de un cliente que te molesta, ya sea porque estaban pidiendo cambios en el diseño que tú no estabas de acuerdo o porque hizo alguna petición sobre el proyecto.
Ese tipo de correos pueden estar dando vueltas en tu cabeza toda la noche manteniéndote completamente despierto e inquieto, y total en ese momento tampoco podrás hacer nada al respecto.
Así que no puedes permitir que esto te afecte y estar luego las noches sin dormir debido a las cuestiones de trabajo. Esto es una cuestión que debe realizarse durante la jornada laboral.

Descansar es importante para poder estar al 100% y aplicar a la perfección toda la creatividad y profesionalidad necesaria que exige el diseño gráfico y la ilustración.

Los diseñadores gráficos e ilustradores y las vacaciones

Unas vacaciones de calidad no tienen por qué ser un gran viaje caro a algún lugar exótico, sino que sólo tiene que ser un momento en que el trabajo se deja de lado. Sin hacer ningún trabajo extra o consultar el correo electrónico. Los mensajes y los proyectos ya estarán esperando por ti cuando vuelvas. Todos se merecen y necesitan unas vacaciones, aunque sea una semana, pero los diseñadores e ilustradores no somos menos y esos días son ideales para refrescar por completo la cabeza.


 Fotografía de fcl1971 descargada de freeimages

Hasta aquí los 3 puntos indicados en este artículo. Sé que puede sonar todo muy básico, pero este no es el análisis que debes hacer del artículo sino el siguiente ¿De verdad cumples estos puntos? ¿De verdad los diseñadores e ilustradores no nos obsesionamos con los proyectos? ¿De verdad le dedicamos un tiempo importante al descanso?
Básicamente los 3 puntos hacen hincapié en tener que descansar para no fatigarnos, porque entonces no rendimos al nivel profesional que podríamos y deberíamos. Por eso mismo si tu objetivo es ser un buen profesional, el descanso ayudará a que lo seas mucho mejor.

Hasta el siguiente artículo :)

lunes, 9 de junio de 2014

5 Errores que debes evitar como diseñador o ilustrador



Bienvenidos a un nuevo artículo de Illusionarte arte, hoy me centraré en los errores que comúnmente suelen hacer los diseñadores, al menos los diseñadores que recién empiezan. Son puntos que no deben dar miedo ni tampoco hacernos pasar vergüenza, ya que son una gran oportunidad para aprender y así hacer crecer nuestras habilidades para convertirnos profesionalmente en mejores diseñadores.
Espero que puedan ayudarte estos consejos para solventar los errores que pueden ocurrir en esta profesión creativa. Por cierto estos consejos también son aptos para ilustradores y artistas.

Descansar la mente en los proyectos y la rapidez en su entrega

Si has estado trabajando toda la noche en el diseño o ilustración de un proyecto, y en ese momento lo ves bien, lo más adecuado es hacer un descanso. Es habitual que al saltarse este punto te encuentres que una vez que envías el proyecto, recibes una respuesta indicándote que el proyecto tiene unos cuantos errores. Muchas veces suelen ser pequeños elementos o pequeñas indicaciones que se han pasado por alto.

 Fotografía de Arianne van Noordt descargado de freeimages

Puede deberse a varias formas, una de ellas es por estar con una obsesión de querer hacer el mejor proyecto, tan perfecto, tan monumental, que entonces es cuando se olvidan los pequeños detalles que de otra forma se hubieran visto.

Una solución a este problema es la de ir haciendo descansos para no saturar nuestra mente. Otro punto importante sería la de crear una lista de todos los puntos que se deben añadir en el diseño para completar el proyecto de una forma correcta.

Muchas veces el cliente contacta con plazos muy breves para el trabajo, en estos proyecto hay que tener especial atención porque pueden ayudar a que ocurran esta clase de errores. Aunque el plazo de entrega sea corto también hay que poner en práctica los dos puntos comentados, descanso y crear una lista.

Saber decir no a algunos encargos

Para conseguir buenos resultados en un proyecto lo mejor es centrarse solo en uno. Poder dedicarse un mes entero a un proyecto es algo que no siempre se consigue, pero que sería lo ideal para conseguir unos buenos resultados para la empresa que contrata nuestros servicios.
Por eso si en muchas ocasiones hay que decir sí a un solo proyecto para dedicarnos a fondo y dejar otros de lado no debería temblarnos el pulso por muchos motivos.
Un proyecto realizándolo todo un mes supone una buena rentabilidad para el diseñador o ilustrador, pero además se convierte en un proyecto realizado a conciencia y que luego será una buena tarjeta de presentación para nosotros para poder conseguir nuevos encargos.
En muchas ocasiones los trabajos de un día para otro, dada la rapidez con la que deben estar ejecutados no representan nuestra profesionalidad al 100%. Es evidente no es lo mismo dedicar un día o una semana a un proyecto que un mes entero.

Aunque creo que no hace falta comentarlo, no solo se debe saber decir no en estos casos, sino también decir no a aquellos clientes que no quieren pagar lo que vale nuestro trabajo.

Ordenar el tiempo de trabajo

Un problema común al ser diseñador o ilustrador freelance es que muchas veces no estructuran de forma adecuada ni organizan bien su tiempo. Ser freelance es como llevar una empresa, por eso hay diseñadores que distribuyen su tiempo de la siguiente forma, solo aceptando llamadas o conferencias por las mañanas para tener libres y enfocarse únicamente en el diseño del proyecto, o por ejemplo los viernes que sea los días que manejan la facturación, etc. Encontrando así el mejor sistema de organización.

  Fotografía de antkevyv descargado de freeimages

También es interesante escribir las tareas que deben hacerse y también la duración del tiempo que debe dedicarse.
Nunca se debe poner una línea de tiempo que no se puede cumplir y siempre se debe crear un ambiente de trabajo libre de distracciones. Eso podría significar el no mirar el correo electrónico, los programas de mensajería instantánea o redes sociales y los teléfonos durante ciertas horas del día, mientras se está produciendo el trabajo.

Comunicarse correctamente con el cliente

Debes asegurarte que el cliente entienda exactamente lo que estás dispuesto a entregarle y finalmente lo que le estás entregando. Esto ayuda a que valoren la profesionalidad del diseñador o ilustrador desde un principio. Comentándotese las cláusulas del encargo, proceso de investigación, etc. Debemos asegurarnos de que entienden toda la información y que se les está proporcionando la información necesaria. Todo para que puedan entender nuestro trabajo.



  Ilustración de Rafael Marchesini, descargado de freeimages 

Cuando el cliente quiere realiza un encargo, no debe dar miedo el preguntar para conseguir una mayor información, incluso si no se entiende algo.

Entender las cualidades que tienes como profesional

Debes conocer tus habilidades más fuertes y debes preguntarte ¿Cuáles son mis fortalezas individuales que permiten añadir valor a un proyecto?
Seguro que puedes hacer un montón de cosas, pero si sabes tu punto fuerte puedes potenciarlo para utilizarlo en tus proyectos.

Espero que estos 5 puntos hayan conseguido hacerte reflexionar para mejorar como profesional. Si ya las sabias nunca viene mal el refrescar de nuevo estos conceptos ¿No crees?

Hasta el próximo artículo :) ¡CREATIVIDAD ON!

sábado, 7 de junio de 2014

4 Consejos para no diseñar marcas incorrectamente

En muchas páginas web se pueden ver un artículo tras otro que hablan de cómo hacer un gran diseño de marca, bueno en verdad en la mayoría de estos sitios hablan de cómo hacer un gran logotipo, y no hablan en ningún momento de marcas. Muchos de estos sitios igual que no diferencian el logotipo de una marca, no son capaces de diferenciar lo que es una ilustración de un diseño de marca. Esto también se debe a que estos artículos no están escritos por profesionales del sector, sino por bloggers aburridos que escriben cualquier tontería para conseguir visitas.

Hay muchos errores que son habituales en el diseño de marcas, y seguro que en caso de tener una empresa algunos de estos errores los tendrá tu propia marca, o en caso de ser un diseñador con poca experiencia seguro que tus diseños también han cogido algunos malos hábitos que rondan por la red.

Uno de los puntos clave es entender a las empresas y a los clientes que contratan los servicios, este punto es esencial para conseguir un diseño de marca adecuado y que tenga una utilidad para la empresa. Pero no solo es eso, sino que también debe servir este trabajo para dejar en ridículo a las páginas web que venden los diseños de marca de forma genérica por todo Internet.

Detalles y Complejidad en el diseño de marcas

Según el tipo de encargo puede que se encargue de ejecutarlo un diseñador o un ilustrador. Muchas veces en el diseño de marcas se tiende a utilizar detalles que llegan hasta niveles de locura, y esto repercute en la obtención de diseños terribles.

No se debe olvidar que un logotipo va a aparecer en muchos lugares y en una gran cantidad de tamaños. Esto ha ocurrido con las marcas que hoy en día son más simples, pero hubo una vez que no lo fueron tanto.

El pasar de la creación de una marca con detalle a uno simple es pasando por ir quitando elementos hasta conseguir que quede la verdadera alma de la marca.

No utilizar diseños de otros diseñadores 

No importa de qué manera suceda, pero el trabajo de otra persona no debe nunca terminar en una de sus marcas. Debes tener orgullo propio y que toda la pieza gráfica sea creado por ti desde el principio. Si se utilizan archivos gráficos de otros diseñadores, como en banco de imágenes gratuitos. Su utilización deberá hacerse con criterio, y modificando siempre esos archivos para que se adapten al proyecto. Son un recurso que está en la red pero se debe saber utilizar sabiendo aplicar nuestra creatividad para crear piezas únicas.

Nunca se utilizará un diseño completo de un sitio gratuito y se utilizará como marca, este punto lo tienden a realizar aquellas personas que no quieren pagar a un diseñador para que hagan un trabajo profesional. Este gesto puede traernos muchísimos problemas que comentare en otro artículo, pero para que te hagas una idea podría suponer una violación de derechos de autor, o incluso que ese diseño se esté utilizando en muchas otras cosas, lo que hace que este diseño se quede obsoleto. Siempre todos los diseños deben tener creatividad y originalidad.

Puede parecer completamente obvio, pero la originalidad es crucial. Crear marcas ya sea sin comprobar lo que otros han hecho en primer lugar, o simplemente desarrollar el primer cliché que se pase por la cabeza, es una auténtica locura. 

Recuerda que una marca debe representar a una empresa, entidad, etc. Una marca es mucho más que algo que se pone en un sitio web o en una tarjeta de visita. Una marca es el orgullo de la empresa y representa a todo lo que quiere decir a sus clientes. Una marca debe ser clara, y debe decir: esto de aquí somos nosotros y nadie más que nosotros.


No diseñar marcas con PhotoShop

Si no lo he dicho ya 1000 veces lo habré dicho 1001, no en este blog pero sí en redes sociales y en personas interesadas en este sector. Pero vale la pena repetirlo una y otra vez, no se debe hacer una marca en Adobe Photoshop. Las marcas deben crearse en formato vectorial, por ejemplo con Adobe Illustrator.

Al ser vectorial permite modificar el tamaño sin tener ninguna pérdida de calidad, cos que PhotoShop al utilizar píxeles si que perdería definición si se ampliara o redujera.

Siempre diferente

 Se debe utilizar la cabeza cada vez que se crea una marca, y siempre se debe crear algo diferente en cada una de ellas. Es simple el motivo, cada cliente y cada empresa y sector son diferentes y únicos, por eso la marca debe ser también única. 


Aquí finalizan los 4 consejos, espero que te sean de utilidad :)

Debo decir que únicamente el que está dedicado al tama vectorial habla de la ejecución técnica, los demás son conceptos necesarios a la hora de crear una marca. Aquí únicamente he tratado una ligera idea para que puedas comprender que no es nada fácil el conseguir una marca, y que si no eres un profesional es mejor que no la hagas por tu cuenta, y que inviertas dinero en ello, contratando a un profesional.

Recuerda que el crear marcas forma parte de la carrera de diseño gráfico, se estudia, y por muchos artículos que puedas leer por Internet no conseguirás adquirir los conocimientos necesarios. No olvides que aunque se trate de tema visual estamos hablando de una profesión.

Me despido y espero que sigas leyendo mis artículos, y recuerda ¡Contrata siempre a profesionales!

lunes, 2 de junio de 2014

La identidad de Coca-Cola en el mundial de Brasil, una identidad que se convierte en arte



El sistema de identidad visual de Coca-Cola para la campaña de la Copa del Mundo de Brasil ha sido un esfuerzo de colaboración entre São Paulo con un artista callejero y el estudio de diseño Leeds BGO.

En cada país hay una gran cantidad de clichés o tópicos, estos tópicos cuando se trata de crear identidades es muy difícil de muchas veces no caer en ellos. En este caso era evidente que se tenia que dar a la identidad de Coca-Cola un toque de sabor a Brasil, pero haciéndolo de un modo original sin caer en los tópicos. Esos tópicos y clichés de Brasil que no se querían representar eran los usuales que suelen vender las webs de turismo de Brasil (es decir, la samba, el carnaval, Copacabana, tucanes, etc). Por eso para salir de esa rutina en el diseño de identidad de Coca-Cola, se fijaron específicamente en las calles de Rio.

Encontrar el diseño de identidad ideal

Rio es una ciudad que mientras vas caminando por sus calles te das cuenta que están cargadas de arte en cada uno de sus rincones. El estudio gráfico al darse cuenta de esto, se dieron cuenta que era obligatorio el encontrar a alguien con quien pudieran ser socios para dar a la identidad de Coca-Cola un toque distintivo con el arte brasileño.

*Nota: Aquí en este punto quiero matizar que muchos estudios gráficos únicamente ofrecen diseño, pero no ofrecen nada de ilustración ni nada que se asemeje al arte. Por eso se ven obligados a buscar un socio y externalizar el trabajo, porque por ellos mismos sería imposible.
Es lógico que en este caso no solo necesitaban a un ilustrador o artista, al ver todo el arte que desprendía Rio vieron necesario el coger a un artista de ahí, pero debo añadir que otra opción del estudio podría haber sido el buscar un estilo de arte que les hubiera gustado y buscar un ilustrador o artista que se adaptara a ese estilo.
Aunque este último punto se debe reconocer que era más laborioso en tiempo que la opción que optaron.

Ya de paso aprovecho para aquellos estudios que buscan artistas para externalizar su trabajo la dirección de un ilustrador español freelance, es todo un artista y crea unos trabajos maravillosos, estoy convencido que su trabajo te encantará.
Dicho esto y después de esta pequeña nota informativa continuamos con la historia de la identidad de Coca-Cola.

Una cosa muy buena que he podido leer es que el estudio nunca trató de seleccionar a alguien por ser famoso, eso es ideal para conseguir una identidad diferente y que no se haya visto hasta ahora, además de los puntos positivos de crear nuevas oportunidades.

El estudio partió con la siguiente idea en su búsqueda, y es que buscaban un socio que compartiera el mismo diseño estético que Coca-Cola, es decir trabajos con gran presencia con el color negro, simples e icónicos.

Después de conocer a varios artistas y diseñadores brasileños durante un período de dos meses, el estudio encontró a Speto en su casa de São Paolo. Al estudio gráfico en ese momento les pareció que su trabajo desde un punto de vista estilístico, era visualmente impresionante, llamaba la atención, era audaz y confiado a la vez.
En él vieron que podía ser un artista de Coca-Cola, y que podía compartir los valores que representa la marca. Valores como pasión por la vida y un profundo amor por la gente.

Finalmente Speto (el artista callejero) se encargó junto con el estudio de construir una identidad visual para Coca-Cola que fuera auténticamente brasileña, que cuenta con una historia de unión, optimismo, y con una conexión con el futbol.

Nota: El arte de la calle es muy fuerte en Brasil y ya ha sido utilizado por otras marcas, y nada más que por Pepsi, la competencia directa de Coca-Cola.
 Aunque eso le ha dado más gracia al diseño ya que la identidad debía ser aún más distintiva.

Por eso el objetivo que buscaba Coca-Cola era simple, una identidad para este evento que ilustrara una mezcla única de Fútbol + Brasil + Coca-Cola.

El trabajo de Speto se ha centrado en contar historias. La identidad visual se construye alrededor de cuatro personajes centrales que cuentan la historia de "La Copa del Mundo" que ilustra los valores de la felicidad, unión y celebración.
En apoyo de los cuatro personajes se crearon nuevos elementos, como una bota de fútbol, una pelota de fútbol con un corazón para honrar al deporte rey, e ilustrar la música como un medio para unir a la gente.

Proceso del diseño

Al principio del proyecto después de unos días de dibujo y en el proceso de descalificación de ideas, todavía no se tenía nada concreto, hasta que una noche se esbozo en una servilleta una idea rápida en torno a un grupo de amigos que juegan y ven el fútbol, todo ello dentro del contorno de la botella de Coca-Cola.

Nota: ¿Qué tendrán las servilletas? No es la primera vez que grandes ideas surgen de una servilleta.
 
De ese boceto creado por el estudio de diseño, Speto lo copió y lo volvió a redibujar, creando un boceto más estructurado que el anterior.
 
La identidad fue creada en el transcurso de un año, cumpliendo con los objetivos de ilustrar los temas de la campaña de Coca-Cola, la unidad y el optimismo, a través del arte y al mismo tiempo conseguir mantener una sensibilidad global.
A través de este simple pero audaz estilo icónico se ha conseguido alcanzar una voz auténtica de Brasil, pero además adaptada localmente y alrededor de todo el mundo.

Sin lugar a dudas estamos ante una identidad que desprende arte por los cuatro costados. No solo es una identidad que representa a la marca Coca-Cola y a todos sus valores, sino que es una identidad que invita a tener las latas y botellas como decoración en el mismo hogar. Son autenticas piezas de arte, y las botellas de los países no tienen desperdicio.

Espero que te haya gustado este artículo, y que disfrutes como yo de la identidad visual de Coca-Cola. Hasta el próximo artículo :)

viernes, 30 de mayo de 2014

Adiós a Massimo Vignelli



Hola me presento soy Max y estoy convencido que si acabas de acceder a este blog te preguntarás ¿Qué diablos es Illusionarte arte?
Por una parte es normal que te preguntes sobre este blog ya que este es el comienzo, pero con el título seguro que ya te haces una idea del contenido que tendrá.
Illusionarte arte es un blog sobre diseño gráfico e ilustración, y como no también se hablará de arte.

Quiero recalcar este punto sobre el término arte, aunque hay personas que insisten en identificar al diseño gráfico como arte, lamento comunicarles que deben olvidarse de esta idea. El arte es arte y el diseño gráfico es comunicación, aquí se tratará al arte no desde el punto de vista de cuadros, sino desde el diseño gráfico y la ilustración.

Dicho esto, estoy convencido que si te gustan las tres cosas disfrutarás con este blog.

Este primer artículo lo he querido dedicar a un homenaje a un icono mundial del diseño gráfico, un icono que nos ha dejado esta semana a los 83 años tras sufrir una larga enfermedad. Creo que es la mejor manera de empezar un blog de estas características rindiendo homenaje a uno de los grandes del sector.

 ¿Quién era Massimo Vignelli?

Massimo Vignelli, nos deja uno de los más grandes diseñadores del siglo 20.

Así es, el diseñador italiano Massimo Vignelli conocido por el diseño de una versión icónica del mapa de metro de Nueva York en la década de 1970, y entre otros conocidos trabajos, murió este martes por la mañana en su casa de la ciudad de Nueva York.

Vignelli extendía el buen concepto del diseño asegurando que un buen diseño debía ser "visualmente potente, intelectualmente elegante, y sobre todo atemporal".
Con esta mentalidad ayudó a dar forma al paisaje visual y cultural del siglo 20 con trabajos que van desde el diseño de marca para American Airlines, IBM y Bloomingdale, su abanico profesional era grande, no solo de diseño de marcas sino de diseño de señalización, libros y un largo etc.


Con sus trabajos logró ser considerado uno de los diseñadores más influyentes del siglo 20, consiguió ganar algunos de los premios más prestigiosos de la industria, entre algunos de ellos están la Medalla de AIGA de Oro en 1983, el primer premio de diseño presidencial, presentado por el presidente Ronald Reagan en 1985, la medalla de oro al diseño por el National Arts Club en 2004.

La vida de Massimo Vignelli

Nació en Milán en 1931 y su pasión por el diseño empezó de adolescente, se comenta que todo empezó después de visitar la casa de un amigo diseñador de interiores de su madre. Hasta ese momento no había caído que casi todo lo que le rodeaba había sido ideado por un ser humano y en ese momento se quedó cautivado por esa idea.
Desde entonces empezó a leer todos los libros y revistas de diseño que podría tener en sus manos, incluso esbozando las ideas para los muebles que él quería para su habitación. A los 16 años, comenzó a estudiar y trabajar en la oficina de un arquitecto local. Dado que no existían escuelas de diseño en el momento, a los 18 años, se fue a Italia a estudiar arquitectura en el Politécnico de Milán, la Universita di Architettura de Venecia. En poco tiempo ya estaba corriendo en los mismos círculos que los grandes de arquitectura como Le Corbusier, Mies van der Rohe, Alvar Aalto, y Charles Eames.

Vignelli conoció a su futura esposa, Lella, en una convención de la arquitectura y se casaron en 1957. Tres años más tarde, se abrió una "oficina de diseño y arquitectura" en Milán, y diseñó para las empresas europeas, como Pirelli, Rank Xerox, y Olivetti.

La pareja se mudó a Nueva York en 1965, en 1971 abrió Vignelli Associates, donde ofrecía servicios de diseño de interiores, diseño de envase, diseño gráfico, diseño de muebles, y el diseño de productos.
Como he dicho anteriormente en Nueva York causó gran impacto gracias a su rediseño del mapa de metro de Nueva York en 1972.


¿Qué consiguió con ese mapa? Pues Vignelli en lugar de luchar por la exactitud geográfica, representó las líneas de metro en un diagrama con líneas codificadas por colores, representando cada estación con un punto. El diseño tuvo un éxito rotundo, y mostró una simplificación sin precedentes en este ámbito, aunque también tuvo sus críticas, pero seguramente que de algunos envidiosos por un trabajo que estaba tan bien ejecutado.

Marca 1967 American Airlines

Otro trabajo muy conocido fue su diseño de marca de American Airlines, un diseño que ha durado casi medio siglo, ya que la marca fue rediseñada en 2013, logrando estar activa y permaneciendo en su lugar 46 años, un buen ejemplo de la calidad intemporal de su diseño.
Además ha sido un diseño de marca distintivo y ha conseguido ser reconocible en todo el mundo. Fue diseñado por Vignelli en 1967, con una tipografía no recargada y utilizando los colores rojo, blanco y azul, y como símbolo la fuerte representación de un águila.


 

Vignelli compartía sus conceptos de diseño

Vignelli no solo era un buen diseñador que creaba grandes diseños, sino que también era un apasionado de compartir sus principios, normas y criterios para conseguir que otros pudieran hacer lo mismo, por eso publicó el libro The Vignelli Canon.
En el utiliza numerosos ejemplos para transmitir la aplicación del buen diseño, desde el diseño de productos a la señalética y también al diseño corporativo. Un libro que además en 2009 se hizo disponible de forma gratuita en PDF.
Bueno, este es mi pequeño homenaje a este gran diseñador, y sin duda espero que este artículo consiga despertar algo en ti para poder aprender de la sabiduría de Massimo Vignelli.